Tidak lama setelah Jepang secara resmi memutuskan untuk mulai berdagang dengan Barat pada tahun 1850-an, fotografi juga datang ke negara kepulauan itu. Keduanya menandai era baru modernitas.
Pencarian untuk memahami dan menggambarkan jiwa Jepang ketika berevolusi dari Imperialis, agraris dan isolasionis, menjadi lebih populis, global dan urban adalah tema dari dua pameran yang sekarang dipajang di Smithsonian's Freer and Sackler Galleries di Washington, DC. Dua pertunjukan, "Japan Modern: Fotografi dari Gloria Katz dan Willard Huyck Collection" dan "Japan Modern: Cetakan di Zaman Fotografi, " berbagi banyak, kata Frank Feltens, kurator acara cetak.
Tidak ada dalam urutan kronologis, tetapi keduanya mengelompokkan gambar dalam tema yang sama — dengan kota dan negara yang mendominasi. Pertunjukan fotografi sangat dokumenter; banyak yang hitam putih. Cetakan, dibuat dengan balok kayu berukir, tebal, visual dan berwarna-warni. Tetapi, kata Feltens, "di antara dua pertunjukan itu, Anda mulai menemukan lebih banyak kesamaan" - suatu minat pada permukaan, sudut, fragmen.
Para seniman “melihat dunia di luar, tetapi menata ulang melalui satu kali, lensa dan kemudian melalui balok kayu, ” kata Feltens.
Seperti yang terjadi di dunia Barat, fotografi memberi bayangan besar. Cetakan balok kayu telah ada setidaknya selama satu milenium, terutama sebagai sarana untuk mengkomunikasikan sesuatu tentang budaya — menceritakan kisah. Pada akhir abad ke-19, seni grafis sudah mati — korban dari fotografi yang lebih mudah dan lebih murah.
Foto pertama yang diketahui diambil di Jepang berasal dari tahun 1848, kata Feltens. Daguerrotypes populer di Jepang — seperti halnya di Eropa dan Amerika — tetapi fotografi benar-benar berkembang pada tahun 1920-an, dengan munculnya lebih banyak peralatan portabel seperti kamera saku rompi Kodak, kata Carol Huh, kurator acara fotografi. Saku rompi, yang kira-kira seukuran kamera modern, dengan lensa yang menarik, gaya akordeon, dibuat antara 1912 dan 1926, dan menjadi sangat populer di Jepang, sehingga memunculkan klub kamera dan fotografi Sekolah Besu-Tan. gaya.
Pameran foto ini dimungkinkan oleh hadiah sebagian Mei 2018 berupa 400 foto yang dikumpulkan oleh Gloria Katz dan Willard Huyck, para pecinta dan penulis skenario Jepang, yang terkenal dengan American Graffiti dan Indiana Jones serta Kuil Doom . Koleksi itu sebagian besar telah dipajang di dinding rumah Brentwood, California, mereka. Dia memilih untuk pertunjukan 80 cetakan dari dua lusin seniman, dengan fokus pada mereka yang mempengaruhi lintasan fotografi Jepang.
Simmon: A Private Landscape (# 1), oleh Hosoe Eikoh, 1971 (Freer | Sackler, Beli dan hadiah sebagian dari Gloria Katz dan Willard Huyck) 
Seikan Ferryboat, dari seri Karasu (Ravens) oleh Fukase Masahis, 1976 (Freer | Sackler, Beli dan hadiah sebagian dari Gloria Katz dan Willard Huyck) 
Yokosuka, Kanagawa, oleh Tomatsu Shomei, 1959 (Freer | Sackler, Beli dan hadiah sebagian dari Gloria Katz dan Willard Huyck) 
Koen Dori, Shibuya, dari seri Karasu (Ravens), oleh Fukase Masahisa, 1982 (Freer | Sackler, Beli dan hadiah sebagian dari Gloria Katz dan Willard Huyck) 
Puncak Gunung Berapi Takachiho, Kagoshima, dan Miyazaki, oleh Hamaya Hiroshi, 1964 (Freer | Sackler, Beli dan hadiah sebagian dari Gloria Katz dan Willard Huyck) 
Kamaitachi # 8, oleh Hosoe Eikoh, 1965 (Freer | Sackler, Beli dan hadiah sebagian dari Gloria Katz dan Willard Huyck) 
Manusia dalam Jas Hujan Minobashi Tradisional, Prefektur Niigata, oleh Hamaya Hiroshi, 1956 (Freer | Sackler, Beli dan hadiah sebagian dari Gloria Katz dan Willard Huyck) 
My Wife on the Dunes, oleh Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, Pembelian dan hadiah sebagian dari Gloria Katz dan Willard Huyck) 
Boku To Neko (The Cat and Me), oleh Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, Pembelian dan hadiah sebagian dari Gloria Katz dan Willard Huyck) 
Evening View, oleh Moriyama Daido, 1977 (Freer | Sackler, Beli dan hadiah sebagian dari Gloria Katz dan Willard Huyck) Galeri awal — dengan cetakan dari tahun 1920-an dan 1930-an — memperlihatkan bagaimana para fotografer Jepang sangat dipengaruhi oleh orang-orang sezaman Eropa, terutama para piktorial fokus-lunak. “Kami mencapai puncak pengakuan fotografi sebagai media ekspresi — media seni, dan juga transisi menuju estetika yang lebih modern, ” kata Huh. Foto-foto awal mendokumentasikan kota dan negara — sebuah kanal; gandum melambai tertiup angin. Transisi ini terlihat dalam studi cahaya dan bayangan era 1930-an Ishikawa Noboru, Barn Roof, yang mengasah sepotong kubah dengan latar belakang berkabut.
An Afternoon on the Mountain, cetakan perak gelatin 1931 karya Shiotani Teiko, bisa menjadi lukisan abstrak. Seorang pemain ski kecil terlihat sedang berjuang menaiki lereng abu-abu miring yang memotong di bagian bawah foto, membaginya dari langit yang sama abu-abu. Teiko sebagian besar ditembak di Prefektur Tottori di pantai barat Jepang, menciptakan dari bukit pasir dan pegunungan yang sangat besar. "Bentang alam menjadi peluang untuk studi bentuk ini, " kata Huh.
Teiko juga menembakkan cetakan aneh dari benda-benda yang dibengkokkan secara tidak wajar - pendahulu dari surealisme yang menjadi sangat jelas dalam karya muridnya Ueda Shoji. 1950 My Wife on the Dunes karya Shoji menampilkan pasangan berpakaian kimono-nya, terputus di lutut, menatap dari latar depan kanan; di sebelah kanannya, berdirilah tiga pria berjas bisnis, menghadap ke arah yang berbeda dengan bayangan besar yang menjuntai di belakang masing-masing. Seperti nyata, itu juga menggambarkan Jepang hidup berdampingan dengan warisan kuno dan citra modernnya.
Banyak dari foto-foto itu memeriksa interaksi itu, terutama ketika Jepang melihat ke dalam dan menghadapi kenyataan kehancuran Perang Dunia II dan bagaimana negara itu akan membangun kembali dan membuat sendiri.
Jepang adalah satu-satunya negara yang pernah mengalami murka bom atom. Acara itu menyentuh Nagasaki, tempat orang Amerika menjatuhkan bom di kota 200.000 pada pukul 11:02 pagi pada tanggal 9 Agustus 1945. Jepang melarang fotografi setelah terjadinya Nagasaki dan Hiroshima, tetapi sekitar 16 tahun kemudian — pada tahun 1961 — the Dewan Jepang Melawan Bom Atom dan Hidrogen menugaskan Tomatsu Shomei untuk mendokumentasikan pemulihan kota. "Itu tidak biasa pada saat itu bagi banyak orang Jepang untuk tidak melihat apa yang sebenarnya terjadi di sana, " kata Huh. Itu termasuk Shomei. Dia menggali kain Nagasaki, memotret kehidupan saat ini, selamat dari bom dan benda-benda di tempat yang sekarang menjadi Museum Bom Atom.
Salah satunya, ditembak di latar belakang yang sederhana: jam tangan berhenti pada 11:02. Sebuah botol yang terdistorsi oleh ledakan mengambil bentuk manusia yang mengganggu. "Sepertinya bangkai, " kata Huh. Buku Shomei 11:02 Nagasaki adalah perhitungan pribadi dan dokumen kunci dari peristiwa mengerikan itu.
Dia juga terobsesi dengan — dan memotret pandangannya tentang — pendudukan Jepang pasca-perang Amerika, yang secara resmi berakhir pada tahun 1952. Efeknya, bagaimanapun, bertahan lama. Banyak gambar menunjukkan keingintahuan fotografer dan cemas dengan orang asing yang telah memasukkan diri mereka ke negara mereka. Acara ini mencakup beberapa cetakan dari seri 1959-62 Yamamura Gasho di Washington Heights, daerah perumahan militer Amerika di Tokyo. Dalam satu, sekelompok anak-anak hitam dan putih yang tampak nakal menekan pagar rantai. Gasho secara harfiah "di luar pagar melihat transplantasi aneh di tengah-tengah Tokyo, " kata Huh.
Acara berakhir dengan Diorama Map of Tokyo 2009, kolase modernis oleh Nishino Sohei, seorang seniman berusia 36 tahun. Dia berjalan di Tokyo, mengambil pemandangan jalan, menggemakan proyek serupa dari akhir abad ke-19 yang menciptakan peta pengukuran pertama Jepang. Sohei memotong cetakan kecil dari lembaran kontak, meletakkannya di samping satu sama lain dan kemudian memotretnya lagi untuk cetakan terakhir. "Tindakan menyatukan mereka adalah mengingat perjalanan itu, " kata Huh.
Sebelum fotografi, pemetaan Tokyo semacam itu akan dilakukan pada skala yang kurang besar melalui pencetakan balok kayu. Tetapi printer berjuang untuk membuktikan relevansi mereka dalam menghadapi popularitas fotografi yang semakin meningkat. Pada awal 1870-an, mereka mulai mengubah cara mereka bekerja. Stasiun Kereta Shinbashi, cetakan yang cerah dan beraneka warna yang dilakukan pada tahun 1873, adalah contoh gaya baru, memamerkan bangunan bata dan kereta yang berhenti di luar stasiun Yokohama.
Proporsi antara figur dan bangunan itu akurat, dan memiliki sudut pandang fotografi, kata Feltens. Tetapi warna-warna yang mencolok itu “sangat empati unfotografik” —sebuah upaya untuk bersaing dengan medium yang pada waktu itu terbatas pada hitam dan putih.
Namun, upaya itu gagal total — dan seni grafis gagal. Pada 1920-an, dua gerakan baru berusaha menghidupkan kembali jejak. Di sekolah "cetak baru", seorang penerbit mengira ia bisa memikat orang Barat — yang mengambil pandangan fotografis yang ideal yang menghadirkan Jepang yang sepenuhnya modern dan kuno secara bersamaan — dengan cetakan balok kayu yang menawarkan potret sentimental serupa.
Shin-Ohashi, dari tahun 1926, mencoba ini. Ini adalah pemandangan malam dengan kerlip lampu gas yang dipantulkan dari jembatan baja jembatan kereta api; Sementara itu, seorang pria dengan topi jerami tradisional menarik becak, sementara seorang wanita berpakaian kimono memegang payung besar berdiri di belakangnya. Itu adalah tawaran telanjang untuk mengalahkan fotografi (gambar tidak bisa diambil pada malam hari) dan untuk memuaskan orang asing. "Cetakan semacam ini tidak dijual ke Jepang, bahkan hari ini, " kata Feltens. Mereka juga diciptakan sebagai karya seni yang akan dikumpulkan — sebuah arah baru untuk cetakan.
Pada 1930-an, gerakan "kreatif" mulai lepas landas. Pembuat cetak Jepang telah menyerap dari seni Barat gagasan bahwa kejeniusan sang pencipta harus terlihat. Maka, para pembuat cetak mulai menambahkan tanda tangan — sering dalam bahasa Inggris — dan nomor edisi pada karya mereka. Ini bukan lagi produksi pasukan pemahat yang menyerahkan pekerjaan mereka ke operasi percetakan.
Printer masih menggunakan balok kayu, tetapi dengan cara yang semakin canggih. Warna adalah fitur yang signifikan. Dan perspektifnya masih sangat fotografis.
Ito Shinsui 1938 Mt. Fuji dari Observatorium Hakone adalah mahakarya perspektif dan nuansa fotografi. Satu-satunya yang tahu adalah kisaran biru, putih dan coklat.
Banyak dari 38 cetakan dalam acara itu memukau dalam kedalaman seni mereka — suatu hal yang Feltens harapkan untuk dibuat. "Kami ingin menunjukkan luasnya warna dan nuansa, dan ledakan kreativitas ini terjadi, " terutama sejak 1930-an dan seterusnya, katanya. "Orang-orang ini, dalam hal kreativitas, tidak mengenal batas, " kata Feltens.
Seperti acara fotografi, cetakan menunjukkan bahwa para seniman memiliki "tatapan analitik terhadap Jepang, " kata Feltens. Tetapi tidak seperti para fotografer, pembuat cetak tidak terlibat dalam komentar atau pengamatan politik langsung atau tidak langsung tentang Perang Dunia II.
Tetapi ada hubungan dengan perang itu, kata Feltens. Banyak kolektor cetak — termasuk Ken Hitch, yang meminjamkan sejumlah besar cetakan dalam pertunjukan kepada Freer | Sackler — tinggal di Jepang selama pendudukan Amerika.
Baik printmaker dan fotografer berjuang untuk diterima sebagai seni rupa di Jepang, kata Feltens. Ironisnya, cetakan, yang hampir padam oleh fotografi, adalah yang pertama diakui sebagai bentuk seni sejati, katanya.
"Japan Modern: Fotografi dari Gloria Katz dan Willard Huyck Collection, " dikuratori oleh Carol Huh, dan "Japan Modern: Cetakan di Zaman Fotografi, " dikuratori oleh Frank Feltens, keduanya dipajang di Smither's's Freer dan Sackler Galeri di Washington, DC hingga 24 Januari 2019.
