Menghubungkan masa kini dengan masa lalu adalah misi utama sejarawan, dan terutama sejarawan yang bekerja di museum. Sebuah pameran baru, "Dark Fields of Republic, " yang saya kurasikan untuk National Portrait Gallery, melihat fotografi Alexander Gardner, seorang siswa Mathew Brady, yang termasuk orang pertama yang mendokumentasikan kengerian medan perang Perang Saudara. Selama periode pertengahan heroik dan tragis abad ke-19 Amerika, itu adalah gambar mengejutkan Gardner tentang orang mati yang membantu mengantar di dunia modern.
Konten terkait
- Alexander Gardner Melihat Diri-Nya sebagai Seniman, Membuat Gambar Perang dalam Segala Kebrutalannya
- Mengapa Kita Tidak Memalingkan Mata Kita Dari Yang Aneh dan Makabre?
- Gambar yang Jelas dari Korban Perang Sipil Menginspirasi Muse batin Cendekia
Martha McDonald, seorang seniman pertunjukan yang berbasis di Philadelphia tertarik pada pertanyaan tentang ritual berkabung Victoria dalam karya - karyanya sebelumnya The Lost Garden (2014) dan The Weeping Dress (2012) dan ketika kami memintanya untuk membuat karya untuk menemani dan memperkuat tema acara Gardner, dia setuju.
Gardner adalah salah satu tokoh utama dari revolusi fotografi dalam seni dan budaya yang terjadi di Amerika Serikat dan Eropa pada pertengahan abad ke-19. Lahir sebagai orang Skotlandia dan memiliki latar belakang kelas pekerja, Gardner terpesona oleh teknologi fotografi yang sedang muncul dan mendapatkan pekerjaan di studio Brady yang kepadanya dia melakukan fotografi potret dan, yang paling penting, mulai mengambil gambar pemandangan pertempuran Perang Saudara. Keberhasilan foto-fotonya di pamerannya tahun 1862, "The Dead at Antietam" memungkinkan Gardner untuk menyerang sendiri, untuk mendirikan galeri sendiri di Washington, dan untuk terus mengambil gambar Perang dan kemudian Amerika barat.
Untuk menyarankan dimensi penuh dari pengalaman masa lalu itu, program artistik dan budaya dalam puisi, tari dan seni pertunjukan akan mendukung pameran. McDonald, yang sedang dalam proses menciptakan karyanya Hospital Hymn: Elegy for Lost Solders, duduk bersama saya untuk membahas maksud dan tujuan artistiknya, serta karirnya sebagai artis pertunjukan. Potongan akan debut 17 Oktober di museum.
David Ward: Gedung Galeri Potret digunakan sebagai depot pasukan, sebagai rumah sakit dan Walt Whitman bekerja sebagai perawat di gedung. Seberapa banyak sejarah bangunan bermain dalam bagaimana Anda menyusun pekerjaan Anda?
Pada kunjungan pertama saya ke lokasi, saya langsung dikejutkan oleh gagasan bahwa bangunan megah dan megah ini pernah dipenuhi orang sakit dan sekarat. Saya mulai berpikir tentang semua roh yang masih ada di dalam gedung dan saya pikir, ini adalah wilayah yang sangat kaya untuk ditambang. Saya pulang dari kunjungan itu dan membaca Hari Spesimen Whitman, yang sebagian besar tentang waktunya sebagai perawat selama Perang Saudara. Whitman menulis secara khusus tentang mengunjungi tentara di rumah sakit Kantor Paten dan betapa anehnya melihat semua tempat tidur berbaris di samping kasus-kasus model paten, terutama pada malam hari ketika mereka menyala. Saya dikejutkan oleh bagaimana Whitman terobsesi dan patah hati tentang "tentara yang tidak dikenal" - ribuan tentara Union dan Konfederasi yang meninggal jauh dari rumah, tanpa keluarga atau teman di sekitar, dan berapa banyak dari mereka yang dimakamkan secara massal, tanpa tanda. kuburan, atau tidak dikubur sama sekali, dibiarkan membusuk di hutan atau di medan perang.
Hal kedua yang mengejutkan saya adalah ketertarikan Whitman dengan bagaimana alam berfungsi sebagai semacam saksi atas penderitaan dan kehilangan perang. Dia membayangkan seorang prajurit yang terluka dalam pertempuran merangkak ke hutan untuk mati, tubuhnya dilewatkan oleh pasukan pemakaman yang datang beberapa minggu kemudian selama gencatan senjata. Whitman menulis bahwa prajurit itu “hancur ke tanah ibu, tidak dikubur dan tidak diketahui.” Sekarang saya tahu dari membaca Republik Penderitaan Drew Gilpin Faust bahwa ini bukan hanya insiden yang dibayangkan, tetapi yang terjadi pada ribuan tentara dalam perang. Baik Specimen Days maupun Puisi Perang Saudara di kemudian hari menunjukkan bahwa tubuh para prajurit yang tidak dikenal ini menjadi kompos bangsa — roh mereka sekarang hadir di setiap helai rumput, setiap berkas gandum dan setiap bunga. Dia menulis: “... orang mati yang tak terbatas — seluruh tanah jenuh, wangi dengan penghisapan abu mereka yang tak dapat ditembus dalam penyulingan kimia alam, dan akan menjadi selamanya, dalam setiap butir gandum dan telinga jagung, dan setiap bunga yang tumbuh di masa depan. dan setiap napas yang kita tarik ... "
Artis pertunjukan, Martha McDonald, menayangkan perdana pekerjaan barunya, Hospital Hymnal: Elegy for Lost Soldiers di National Portrait Gallery pada 17 Oktober 2015, jam 1 siang (Foto oleh Kelly Cobb) DW: Portofolio Gardner, "The Dead at Antietam" menimbulkan sensasi ketika dipamerkan di New York City pada Oktober 1862. The New York Times berkomentar bahwa foto-foto itu memiliki "perbedaan yang mengerikan" yang membawa kenyataan perang pulang ke warga sipil. Apakah Anda akan berbicara sedikit tentang bagaimana tema-tema pameran diputar ke dalam bagaimana Anda mengonseptualisasikan karya itu?
Saya sedang berpikir tentang bagaimana saya dapat mengekspresikan ide itu dalam sebuah pertunjukan di Aula Besar dan saya memiliki visi untuk mengisi seluruh aula ini dengan bunga-bunga berwarna merah — jenis bunga yang mungkin dibuat oleh seorang janda, ibu atau saudara perempuan yang berduka, Ruang tamu abad ke-19 terbuat dari sutra atau kertas atau lilin untuk mengenang orang yang dicintainya yang hilang. Saya membayangkannya sebagai kumpulan dari semua kesedihan ini, kesedihan dari sebuah bangsa pelayat.
Kemudian saya memiliki ide untuk menyarankan rumah sakit sementara dengan melapisi aula dengan dipan militer yang ditutupi kain putih dan bahwa saya akan meletakkan bunga merah di sarung bantal dan melepaskan bunga dalam pertunjukan dengan memotong setiap bantal terbuka untuk menyarankan luka yang cenderung masuk rumah sakit Kantor Paten dan darah yang ditumpahkan. Saya ingin menyarankan kedua nyawa yang hilang tetapi juga pekerjaan berkabung yang dilakukan oleh semua yang tertinggal, yang berjuang untuk meratapi orang yang mereka cintai tanpa tubuh untuk mengubur.
Ini adalah masalah serupa yang dihadapi pelayat setelah 9/11. Pertanyaan tentang bagaimana Anda berduka tanpa tubuh ini penting bagi saya. Jadi, ribuan bunga yang akan saya keluarkan menunjukkan besarnya kehilangan itu, tetapi juga merupakan simbol pembaruan dan kelahiran kembali, seperti yang disarankan dalam citra kompos Whitman tentang bunga yang muncul dari medan pertempuran yang gelap.
DW: Kami tertarik kepada Anda karena pekerjaan Anda mempersonifikasikan berkabung. Dan kami telah melakukan pembicaraan tentang judul pameran "Bidang Gelap, " yang menunjukkan bobot dan aspek tragis dari periode penting dalam sejarah Amerika.
Ada foto Alexander Gardner di pameran yang menunjukkan mayat tentara yang berbaris di medan perang sebelum mereka dimakamkan. Ketika saya pertama kali melihat foto itu, saya diliputi oleh banyaknya orang yang mati, tetapi saya juga menemukan betapa anehnya indah cara tubuh mereka membentuk lengkungan panjang melintasi lapangan. Itu hampir seperti patung.
Ketika saya melihat salinan foto yang saya gantung di dinding di studio saya dan kemudian saya melihat tumpukan bunga merah di atas dipan yang saya pasang di sana, rasanya bunga merah saya juga dapat dilihat sebagai berdiri -dalam prajurit yang hilang, volume bunga yang tipis mengisyaratkan besarnya kehilangan manusia. Foto-foto Gardner akan menginformasikan kepada penonton tentang pendekatan saya yang lebih liris terhadap materi pelajaran.
Saya juga akan membuat buklet kecil untuk hadirin dengan ukuran yang sama dengan buku catatan kecil yang disimpan Whitman saat mengunjungi tentara. Buklet ini akan memiliki beberapa informasi latar belakang tentang penggunaan Kantor Paten sebagai rumah sakit dan peran Whitman di sana, serta lirik untuk lagu-lagu yang saya nyanyikan. Jadi orang akan mendapat sedikit pendidikan dari itu juga.
Untuk bagian yang dia lakukan pada ritual gaun berkabung Victoria, artis Martha McDonald mengetahui bahwa kain mati di kain kadang-kadang menodai kulit. ( Menangis Potret (noda air mata), 2010, foto oleh Matthew Stanton) DW: Saya pikir kita lupa betapa berisiknya kehidupan sehari-hari sekitar tahun 1850-80 — untuk tidak mengatakan apa-apa tentang volume suara dalam pertempuran seperti Gettysburg — dan juga aroma dan bau pada periode itu. Orang-orang saat ini tidak menyadari betapa tidak menyenangkannya itu — kotoran kuda di seluruh jalan, pabrik penyamakan kulit, tubuh yang tak bersekat, pakaian yang tidak pernah dibersihkan. Berapa banyak yang akan Anda bawa ke tempat kerja Anda?
Oh, aroma abad ke-19! Saya hanya bisa membayangkan kengerian dari semuanya! Membaca Whitimen Spesimen Hari dan Republik Penderitaan Faust tentu memberi saya rasa bau busuk yang akan berputar di sekitar kamp Perang Saudara, rumah sakit dan medan perang, tetapi kota-kota juga merupakan tempat yang berbau unggas.
Saya banyak memikirkan hal itu ketika saya meneliti gaun berkabung Victoria dan bagaimana pewarna nabati yang tidak stabil menodai tubuh wanita. Orang-orang jarang mandi, noda-noda berkeliaran untuk waktu yang lama, kadang-kadang lama setelah mereka keluar dari duka. Resep yang saya temukan di majalah wanita untuk menghilangkan noda tampak mengerikan — hal utama yang mereka gunakan adalah asam oksalat, yang Anda gunakan untuk membersihkan perak. Saya tidak membahas aroma abad ke-19 dengan cara apa pun dalam bagian ini, tetapi saya tertarik untuk menyarankan pengalaman sensorik lain dari periode tersebut - suara kaki saya bergema melalui aula saat saya berjalan dari ranjang ke ranjang, tekstur kasar bunga yang terasa. melawan kerenyahan seprai putih.
DW: Kami mengkonseptualisasikan masa lalu melalui dokumen tertulis atau potret — sebelum abad ke-20 ada beberapa rekaman — kami cenderung menganggap masa lalu sebagai sunyi yang menurut saya berperan dalam romantisasi kami — membeku dalam keheningan seperti tampilan pameran di belakang kaca. Bagaimana Anda akan mengatasinya?
Saya akan menyanyikan sejumlah himne lama yang populer selama era Perang Saudara, beberapa diambil dari tradisi harpa sakral di Selatan dan yang lainnya adalah himne rakyat Utara, seperti “The Shining Shore.” Baru-baru ini saya membaca [himne itu ] Sangat populer di kalangan prajurit selama perang, tetapi tidak lagi populer karena mengingatkan para veteran pada perang. Tidak heran dengan paduan suara: "Untuk saat ini kita berdiri di atas untaian Jordan / Teman-teman kita sedang melintas / Dan tepat sebelum Shining Shore / Kita hampir menemukan."
DW: Bagaimana nyanyian pujian itu berperan dalam kinerja Anda?
Musik yang akan saya nyanyikan didasarkan pada ingatan Whitman saat berjalan ke rumah sakit Armory pada suatu malam dan mendengar sekelompok perawat bernyanyi untuk para prajurit. Dia menggambarkan lagu-lagu itu sebagai "nyanyian pujian" dan "lagu-lagu kuno yang aneh" dan daftar beberapa lirik untuk "The Shining Shore, " yang saya pelajari sekarang. Dia menggambarkan pemandangan "orang-orang berbaring di rumah sakit di dipan mereka (beberapa terluka parah - beberapa tidak pernah muncul) dipan itu sendiri dengan tirai gorden putih dan bayang-bayang" yang mereka lemparkan. Bagaimana mereka memiringkan kepala untuk mendengarkan.
Dia mengatakan bahwa beberapa pria yang tidak pergi bernyanyi bersama dengan para perawat. Saya terkejut ketika saya membaca bagian tentang bernyanyi di rumah sakit, tetapi kemudian saya ingat semua kisah yang saya baca tentang keluarga abad ke-19 yang bernyanyi di rumah untuk rekreasi dan bernyanyi di sekitar ranjang orang yang dicintai yang sakit atau sekarat dan itu mengingatkan saya. bagaimana musik meresap (atau "musik buatan" seperti Whitman berjudul entri tentang perawat bernyanyi) di abad ke-19. Orang-orang bernyanyi untuk setiap kesempatan.
Dan seperti yang saya sebutkan sebelumnya, bernyanyi memberikan cara bagi orang untuk mengekspresikan emosi yang kuat — terlalu kuat untuk masyarakat yang sopan — seperti kesedihan dan kehilangan. Saya sangat percaya pada kekuatan penyembuhan dari lagu yang sedih. Ketika ratapan dinyanyikan, penyanyi mengundang pendengar untuk menghubungi kesedihan mereka sendiri. Penampilan nyanyian ratapan atau nyanyian sedih menciptakan ruang bagi orang untuk menangis atau menghayati emosi mereka di depan umum dengan cara yang sangat menyembuhkan karena memungkinkan pendengar untuk menjalani drama pribadi mereka sendiri di tengah kerumunan individu yang masing-masing memproses kesedihan mereka sendiri atau mengalami emosi mendalam lainnya.
DW: Anda telah mengembangkan sejumlah karya yang mengacu pada sejarah Amerika, yang harus saya puji sebagai sejarawan Amerika. Apa yang menarik Anda ke masa lalu?
Pekerjaan saya terlibat dalam dialog antara masa lalu dan masa kini. Saya menemukan resonansi mendalam dengan kerajinan tangan dan lagu-lagu rakyat yang digunakan orang pada abad ke-18 dan ke-19 untuk mengatasi dan mengungkapkan perasaan kehilangan dan kerinduan. Saya menyesuaikan bentuk-bentuk seni bersejarah ini dalam pertunjukan dan instalasi saya sebagai cara untuk mengartikulasikan kehilangan dan kerinduan saya sendiri dan untuk mengeksplorasi keberadaan dan ketidakhadiran. Saya melihat ke masa lalu untuk merenungkan masa kini, tetapi saya jelas bukan satu-satunya seniman Amerika yang memandang sejarah kita sebagai sumber inspirasi.
DW: Saya merasa bahwa seniman kontemporer tidak terlalu tertarik pada sejarah Amerika sebagai sumber atau inspirasi — apakah saya salah?
Karya saya dapat dikontekstualisasikan dalam kelompok seniman kontemporer yang terlibat dengan sejarah dan cerita rakyat untuk mengeksplorasi narasi pribadi dan merefleksikan iklim sosial-politik saat ini, seniman seperti Dario Robleto, Allison Smith dan Duke Riley. Seniman-seniman ini menggunakan kerajinan tangan rakyat untuk menyampaikan narasi pribadi mereka, termasuk pekerjaan rambut abad ke-19 dan seni parit tentara (Robleto) pelaut dan seni tato pelaut (Riley) dan kostum reaktor Perang Saudara (Smith).
Ada beberapa pameran baru-baru ini tentang seniman kontemporer yang terlibat dengan sejarah, termasuk “The Old Weird America: Folk Themes in Contemporary Art” di Contemporary Arts Museum Houston (2008) dan “Acara Ahistoric: Artis Membuat Sejarah” di MASSMoca (2006) yang menunjukkan luasnya tren ini.
DW: Anda seorang feminis yang berkomitmen, dapatkah Anda berbicara tentang pemulihan suara perempuan Anda sebagai aspek dari pemahaman historis kami yang terus berkembang.
Saya selalu tertarik untuk memulihkan suara perempuan dalam pekerjaan saya — apakah melihat stereotip perempuan dalam opera, sastra, dan mitologi seperti yang saya lakukan dalam pekerjaan awal saya, atau menjelajahi sejarah perempuan sebagai pengingat dalam pekerjaan saya yang lebih baru. Menjadi seorang feminis adalah bagian integral dari praktik seni saya.
Pekerjaan saya adalah semacam respons performatif terhadap sejarah sosial perempuan, dengan segala kekayaan dan kerumitan serta ketidaktampakannya. Ada buku yang benar-benar hebat yang baru-baru ini saya baca berjudul Perempuan dan Budaya Material Kematian, yaitu tentang memulihkan pekerjaan yang sebagian besar tidak kasat mata yang dilakukan perempuan selama berabad-abad untuk memperingati orang-orang terkasih yang hilang dan menjaga memori keluarga, komunitas dan negara tetap hidup. Drew Gilpin Faust juga membahas peran kunci yang dimainkan wanita dalam menyembuhkan bangsa setelah Perang Saudara dalam bukunya.
Saya terinspirasi sebagai seniman oleh bentuk-bentuk kerajinan ini, tetapi saya juga berpikir penting bagi orang untuk mengetahuinya sebagai praktik materi yang membantu masyarakat mengatasi dan hidup dengan kematian dan kehilangan. Masyarakat kontemporer tidak memiliki ritual ini. Kami menyangkal kematian dan penuaan. Akibatnya, kita benar-benar tidak berhubungan dengan ketidakkekalan kita sendiri, yang menyebabkan segala macam masalah seperti keserakahan, kejahatan rasial, penghancuran lingkungan, dll.
Saya harap pekerjaan saya mengingatkan orang-orang tentang ketidakkekalan dan untuk berpikir tentang kehidupan mereka sendiri dan bagaimana mereka bisa menyesuaikan beberapa ritual ini untuk menghadapi dan hidup dengan kehilangan yang ada di sekitar mereka.
DW: Bicaralah sedikit tentang evolusi atau lintasan artistik Anda dan bagaimana Anda awalnya dilatih.
Saya biasanya menyebut diri saya sebagai seniman interdisipliner. Saya membuat instalasi dan objek yang saya aktifkan dalam kinerja untuk mengirimkan narasi. Selama 10 tahun terakhir, pekerjaan saya banyak berfokus pada intervensi spesifik lokasi di museum dan taman rumah bersejarah tempat saya menggambar di situs dan cerita-ceritanya untuk mengeksplorasi bagaimana tempat-tempat umum ini terhubung dengan sejarah pribadi dan keadaan emosi.
Latihan seni saya berkembang melalui lintasan yang tidak biasa. Saya mulai bekerja sebagai jurnalis. Saya adalah seorang penulis surat kabar dan majalah. Saya juga bernyanyi dengan ansambel Barok profesional — tampil di gereja dan ruang konser. Pada pertengahan 1990-an, saya berpapasan dengan panggung seni pertunjukan yang aneh dan sangat dipolitisasi di Philadelphia, tampil di kabaret dan klub malam.
Ketika saya menyanyikan arias barok saya di lingkungan waria dan aktivis AIDS ini, saya menemukan potensi kuat kostum untuk menyampaikan narasi. Dipelihara oleh para waria yang baik hati dalam lingkungan teater super ini, saya mengembangkan karya-karya pertunjukan yang memanfaatkan kecerdasan opera Baroque dan karakter-karakter mitologis yang menghalanginya untuk mengeksplorasi gender, identitas, kekuasaan, dan narasi pribadi saya sendiri.
Saya memanfaatkan latar belakang jurnalisme saya untuk melakukan penelitian yang berat dan menulis monolog yang saya bicarakan kepada para hadirin. Saya membuat artikel tentang putri duyung, sirene, dan harpa — setengah perempuan / setengah binatang yang tidak cocok di darat, laut atau udara — dan hubungan saya dengan mereka. Saya menjelajahi Madwoman di Opera. Saya membuat potongan besar lain melihat kerja epik Penelope mitologis tenunan dan unweaving untuk mengeksplorasi rasa sakit menunggu dan penerimaan, menggambar pada kematian ibuku. Pertunjukan ini sering termasuk proyeksi video (saya menyanyikan duet sirene Henry Purcell dengan diri saya sendiri di video), set yang rumit dan kadang-kadang penyanyi dan penari lainnya.
DW: Sebagai orang yang tertarik untuk menciptakan seni, bagaimana Anda berevolusi menjadi seniman pertunjukan.
Setelah bertahun-tahun menunjukkan karya di teater, saya mulai merasa benar-benar dibatasi oleh kerataan proscenium teater dan jarak penonton duduk pasif di teater yang gelap. Kira-kira pada waktu itu saya diundang oleh Museum dan Perpustakaan Rosenbach di Philadelphia untuk memberikan tanggapan atas koleksi buku-buku langka dan seni dekoratif mereka.
Saya terpesona dengan bagaimana saudara-saudara Rosenbach menggunakan koleksi mereka untuk menemukan kembali diri mereka: Mereka tumbuh sebagai putra-putri pedagang kelas menengah Yahudi yang bangkrut tetapi ketika saudara-saudara mengumpulkan banyak uang dari menjual buku-buku langka pada tahun 1920-an, mereka mengambil gaya hidup mewah. Tuan-tuan negara Inggris. Penampilan saya mengajak hadirin berkeliling museum, memusatkan perhatian pada benda-benda yang berpura-pura menjadi sesuatu yang lain — cermin chinoiserie, furnitur Empire, folio Shakespeare palsu — untuk memeriksa bagaimana kita menggunakan benda-benda kita untuk mendefinisikan kembali diri kita sendiri.
Membuat pertunjukan Rosenbach membuat saya sadar bahwa saya tidak begitu tertarik untuk menciptakan "sulap panggung" untuk membawa penonton ke tempat lain lagi. Apa yang benar-benar ingin saya lakukan adalah membawa mereka melalui situs dan mengungkap sejarah mereka yang tersembunyi melalui semacam tur lagu.
Sejak itu saya telah memimpin audiensi melalui taman botani abad ke-18, pemakaman Victoria (keduanya di Philly), di atas kapal kecil yang menyusuri sungai melalui pusat Melbourne, Australia, dan keluar ke jalur pelayaran, dan secara pribadi di -Rumah teater yang dirancang oleh Leon Bakst pada 1920-an di ruang bawah tanah sebuah rumah besar di Baltimore. Sepanjang semua bagian ini, minat utama saya adalah untuk membangkitkan penonton untuk pengalaman berada di situs-bau dan rasa rempah di kebun dapur, angin di pohon-pohon dan menelan memakan serangga di kuburan, yang kapal kontainer raksasa yang mengerdilkan perahu kecil kami di sungai dan sudut matahari terbenam di senja. Saya mulai berbicara semakin sedikit dalam penampilan saya dan membiarkan situs dan benda-benda saya berbicara lebih banyak.
Bernyanyi selalu menjadi pusat latihan seni saya. Ini mungkin cara ekspresi yang paling esensial bagi saya. Saya merasa seperti itu memungkinkan saya untuk berkomunikasi dengan audiens jauh lebih dalam daripada yang bisa diucapkan. Ini memungkinkan kontak emosional yang berbeda. Sebagai anggota audiens, saya mendapatkan emosi yang begitu deras ketika saya merasakan getaran suara penyanyi — terutama dari dekat — di tubuh saya sendiri. Saya tahu betapa kuatnya itu. Bernyanyi juga memungkinkan saya untuk menjelajahi dan mengaktifkan akustik ruang-ruang ini dan membangkitkan ingatan orang-orang yang pernah tinggal dan bekerja di sana. Hampir seperti saya menyulap semangat mereka melalui lagu.
Ketika saya pindah ke Australia pada 2008, saya memiliki kesempatan dan kebebasan luar biasa untuk bereksperimen dengan pekerjaan saya, untuk mencoba hal-hal baru dan untuk membuang orang lain. Saya berhenti menyanyikan musik Baroque pada saat itu karena saya ingin menghabiskan lebih banyak waktu membuat objek dan kostum dan lebih sedikit waktu menjaga suara saya tetap dalam kondisi. Anda harus menjadi seperti atlet profesional untuk menyanyikan musik itu — menyuarakan beberapa jam sehari 5-6 hari seminggu. Ketika saya mulai membuat karya di Australia tentang budaya berkabung Victoria, saya menghubungkan kembali dengan musik rakyat Appalachian dan saya terus menemukan melodi dan liriknya yang menghantui sangat cocok untuk mengekspresikan kerinduan dan kehilangan. Saya juga sangat tertarik dengan bagaimana imigran Anglo-Irlandia membawa lagu-lagu ini ke Amerika sebagai kenang-kenangan dari rumah yang mereka tinggalkan. Saya terpesona dengan bagaimana orang-orang menggunakan lagu rakyat untuk mengikat diri mereka kepada orang-orang dan tempat-tempat yang telah mereka hilangkan dan untuk mengekspresikan perasaan mereka tidak mampu atau tidak diizinkan untuk diungkapkan dalam masyarakat yang sopan.
Saya tertarik mengajak audiens dalam perjalanan fisik melalui waktu dan ruang, seringkali dengan benar-benar mengantar mereka melalui situs. Tetapi saya juga ingin membawa mereka dalam perjalanan emosional melalui musik dan gambar visual yang saya buat — untuk mendorong mereka untuk memikirkan kehidupan mereka sendiri dan kerugian mereka sendiri.
DW: Sebagai pertanyaan terakhir, apa yang ingin Anda capai dalam menciptakan dan melakukan karya ini?
Saya rasa saya berharap untuk mencapai beberapa hal dengan pertunjukan: Saya ingin menciptakan pengalaman bagi para penonton yang membangunkan mereka ke situs Aula Besar - dengan akustik yang luar biasa, arsitektur agung, dan sejarah "tersembunyi" -nya. digunakan sebagai rumah sakit sementara selama tentara Perang Sipil di mana tentara tewas.
Saya ingin hadirin memikirkan volume kehilangan selama Perang Saudara 150 tahun yang lalu dan mungkin bagaimana hubungannya dengan kerugian saat ini yang kita alami dalam konflik yang sedang berlangsung di wilayah Teluk dan dalam meningkatnya kekerasan rasial, yang terjadi di seluruh negeri. sekarang juga.
Dan akhirnya, saya ingin mengajak hadirin untuk memikirkan kehidupan mereka sendiri dan kerugian mereka sendiri dan untuk memiliki kesempatan untuk berbagi dalam momen kolektif kesedihan dan pembaruan. Ini mungkin banyak untuk ditanyakan kepada audiens, tetapi inilah yang sedang saya upayakan saat saya mengembangkan proyek ini.
Pada 18 September 2015, National Portrait Gallery akan membuka pameran “Dark Fields of Republic. Alexander Gardner Photographs, 1859-72. "Martha McDonald akan debut karyanya sebagai bagian dari seri seni pertunjukan, " Identifikasi "yang akan diresmikan tahun ini di Galeri Potret Nasional pada 17 Oktober 2015 pukul 1 siang
