Kulitnya yang putih pucat lavender dan telinganya secara provokatif memerah, Virginie Avegno Gautreau, seorang penduduk asli Louisiana yang menikah dengan seorang bankir Prancis yang makmur, membuat masyarakat Paris terpukul. Orang-orang membicarakan urusan cintanya yang paling terkenal dengan kecantikannya yang eksotis. Pada akhir 1882, bertekad untuk menangkap citra Madame Gautreau yang khas, pelukis muda Amerika John Singer Sargent mengejarnya seperti pemburu trofi. Awalnya dia menolak permintaannya untuk duduk di sebuah potret, tetapi pada awal 1883, dia setuju. Selama tahun itu, di rumahnya di Paris dan di rumah pedesaannya di Brittany, Sargent melukis Gautreau dalam sesi-sesi yang dengan singkat ia akan potong pendek. Dia punya cukup waktu luang di antara sittings yang dia ambil di potret lain — yang ini ditugaskan — dari Daisy White, istri seorang diplomat Amerika yang akan dikirim ke London. Sargent berharap untuk memajang kedua foto itu — Gautreau yang canggih dengan gaun malam hitam berpotongan rendah dan Putih yang anggun dan lebih putih dalam gaun krem dan putih — pada tahun 1883 di Paris Salon, pertunjukan seni paling bergengsi di Paris. kota. Sebaliknya, karena keterlambatan, lukisan jadi tidak akan dipamerkan sampai tahun berikutnya di, masing-masing, Paris Salon dan Akademi Kerajaan di London. Melihat mereka bersama sebagai Sargent yang dimaksudkan adalah salah satu kesenangan "orang Amerika di Paris, 1860-1900, " sekarang di Museum Seni Metropolitan di Kota New York (setelah sebelumnya berhenti di Galeri Nasional London dan Museum Seni Murni, Boston) hingga 28 Januari 2007.
Konten terkait
- Pembalikan Keberuntungan Samuel Morse
- Kisah Di Balik Putri Ruang Merak
- Mengagumi Para Guru
Dua potret menunjuk seperti menentang rambu-rambu ke jalan yang mungkin dipilih Sargent untuk bepergian. Para Gautreau mendengar kembali ke master Spanyol abad ke-17 Velázquez, yang secara radikal memotong, potret penuh dalam palet terbatas hitam, abu-abu dan cokelat terinspirasi Édouard Manet menginspirasi Édouard Manet dan banyak pelukis modern. White mengingat gambaran berwarna pastel oleh pelukis masyarakat Inggris abad ke-18 seperti Sir Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough dan George Romney.
Dagu upstrust Gautreau dan daging bubuk, dengan tali gaunnya jatuh dari bahunya, menyebabkan skandal; baik pelukis dan pengasuh difitnah sebagai "menjijikkan" dan "mengerikan." Seorang kritikus menulis bahwa potret itu "ofensif dalam keburukan dan pembangkangan dari setiap aturan seni." Di studio Sargent pada malam pembukaan Salon, ibu Gautreau mengeluh kepada artis bahwa "semua Paris mengolok-olok putriku. Dia hancur." Dia dengan tegas menolak permintaannya untuk menghapus gambar itu. Tetapi setelah pameran ditutup, ia mengecat kembali tali yang terjatuh, mengembalikannya ke tempat yang seharusnya. Dia menyimpan lukisan itu dalam koleksi pribadinya, dan ketika dia akhirnya menjualnya ke Museum Metropolitan pada tahun 1916, dia meminta agar lukisan itu diidentifikasi hanya sebagai potret "Nyonya X." Itu adalah "hal terbaik yang telah saya lakukan, " tulisnya saat itu.
Respon marah terhadap potret Gautreau membantu mendorong Sargent ke pantai potret masyarakat yang lebih aman. Dia lebih tertarik pada kesenangan daripada menantang publiknya. Mungkin itulah yang dipikirkan oleh novelis Henry James ketika dia menulis kepada seorang teman pada tahun 1888 bahwa dia "selalu menganggap Sargent seorang pelukis hebat. Dia akan lebih hebat lagi jika dia memiliki satu atau dua hal yang bukan dirinya — tetapi dia akan melakukannya . "
Deskripsi James tentang pengaruh Paris terhadap pelukis Amerika di akhir abad ke-19 juga masih berdering: "Kedengarannya seperti sebuah paradoks, tetapi itu adalah kebenaran yang sangat sederhana, bahwa ketika hari ini kita mencari 'seni Amerika' kita menemukannya terutama di Paris, "tulisnya pada tahun 1887." Ketika kita menemukannya dari Paris, setidaknya kita menemukan banyak Paris di dalamnya. "
Kota Cahaya bersinar seperti mercusuar bagi banyak seniman Amerika, yang merasa lebih dihargai di sana daripada di negara mereka sendiri yang sibuk bisnis. Pada akhir 1880-an, diperkirakan satu dari tujuh dari 7.000 orang Amerika yang tinggal di Paris adalah seniman atau mahasiswa seni. Bagi wanita khususnya, ibu kota Prancis menawarkan kebebasan memabukkan. "Mereka orang Amerika, jadi mereka tidak terikat oleh konvensi masyarakat Prancis, " kata Erica E. Hirshler dari Museum Seni Boston, salah satu dari tiga kurator pameran. "Dan mereka tidak lagi di Amerika, jadi mereka lolos dari pembatasan itu juga."
Sebuah potret diri yang memukau oleh Ellen Day Hale, dilukis tepat sebelum dia kembali ke kota asalnya, Boston. Dilihat dari bawah, kepalanya sedikit miring, Hale sedikit banyak adalah flâneur — kereta dorong yang terlepas tetapi tanggap melalui kerumunan orang Paris yang dirayakan oleh penyair Charles Baudelaire sebagai sosok modern yang arketipal (yang tentu saja ia maksudkan "manusia"). "Ini adalah potret yang luar biasa bagi seorang wanita pada tahun 1885 untuk menjadi yang terus terang dan langsung serta penuh tekad, " kata Hirshler.
Di Amerika, hanya Philadelphia dan New York City yang dapat memberikan jenis pelatihan artistik yang ketat, berdasarkan pengamatan model telanjang, tersedia di ibukota Perancis. "Langsung ke Paris, " kata pelukis terkenal Boston William Morris Hunt kepada seorang siswa seni berusia 17 tahun. "Semua yang kamu pelajari di sini kamu harus melupakan." Paris menawarkan tiga pilihan pendidikan kepada calon seniman itu. Yang paling terkenal (dan yang paling sulit untuk dimasuki) adalah École des Beaux-Arts, lembaga milik negara yang dihormati yang memberikan instruksi bebas biaya kuliah - di bawah pengawasan tokoh-tokoh Salon seperti seniman Jean-Léon Gérôme dan Alexandre Cabanel - kepada siswa yang diterima dengan ujian yang sangat kompetitif. Sistem paralel akademi swasta membagikan pelatihan yang sebanding dengan biaya tertentu. (Wanita, yang dihalangi dari École hingga 1897, biasanya membayar dua kali lipat dari yang dikenakan laki-laki.) Pengusaha pendidikan seni yang paling sukses adalah Rodolphe Julian, yang Académie Juliannya menarik begitu banyak pelamar sehingga ia akan membuka beberapa cabang di kota itu . Akhirnya, jalan pengajaran yang kurang formal ditawarkan oleh pelukis yang memeriksa dan mengkritik pekerjaan siswa, dalam banyak kasus untuk kepuasan murni bimbingan. (Siswa menyediakan ruang dan model studio.)
Perasaan menjadi mahasiswa seni pada saat itu secara meyakinkan ditunjukkan dalam penggambaran perhiasan Jefferson David Chalfant yang seperti permata pada tahun 1891 di Académie Julian (hlm. 81). Sekelompok pria di kuda-kuda berkumpul di sekitar model telanjang, yang mempertahankan posisi mereka di atas meja papan yang berfungsi sebagai tumpuan sementara. Sinar lemah dari sinar matahari menyaring melalui langit-langit, menerangi gambar dan lukisan siswa di dinding. Selubung asap rokok menggantung di udara sangat pengap sehingga, lebih dari seabad kemudian, masih dapat menyebabkan batuk tak disengaja.
Di luar aula akademis, mulai tahun 1860-an, kaum Impresionis Prancis sedang mendefinisikan kembali materi pelajaran artistik dan mengembangkan teknik asli. Dalam pemandangan kota mereka, mereka merekam pelacur, peminum yang kesepian dan kerumunan yang terasing. Dalam lanskap mereka, mereka menolak konvensi naungan hitam dan secara bertahap memodulasi nada demi menatap keras pada pola cahaya dan warna yang memberikan gambar ke mata dan mereproduksi dengan oleskan cat. Bahkan ketika menggambarkan sesuatu yang akrab seperti tumpukan jerami, Claude Monet memikirkan kembali cara di mana kuas dapat membuat pengalaman visual.
Mengambil keuntungan dari kedekatan mereka, banyak seniman muda Amerika di Paris melakukan perjalanan ke episentrum gerakan Impresionis, retret pedesaan Monet di barat laut kota di Giverny. Pada tahun 1885, Sargent dan pelukis muda lainnya, Willard Metcalf, mungkin adalah orang Amerika pertama yang mengunjungi Monet di sana. Dalam The Ten Cent Breakfast, yang dilukis oleh Metcalf dua tahun kemudian, ia membawa pelatihan Académie Julian-nya untuk bertahan di kancah sosial pengunjung yang berkembang di Hotel Baudy, tempat nongkrong favorit Giverny. Namun, dalam lingkungan ini, Impresionisme jelas membuatnya terkesan: Lapangan Poppy 1886 (Landscape at Giverny) miliknya berutang banyak pada gaya Impresionis Monet (dan subjeknya). Pada musim panas 1887, seniman Amerika lainnya, termasuk Theodore Robinson dan John Leslie Breck, melakukan ziarah.
Monet memberitakan keutamaan melukis adegan-adegan di lingkungan asalnya. Dan meskipun Sargent tetap menjadi ekspatriat seumur hidup, banyak orang Amerika yang belajar di Prancis kembali ke Amerika Serikat untuk mengembangkan merek Impresionisme mereka sendiri. Beberapa memulai koloni musim panas untuk para seniman — di Cos Cob dan Old Lyme, Connecticut; Gloucester, Massachusetts; dan East Hampton, New York — yang menyerupai tempat pelukis Prancis Pont-Aven, Grez-sur-Loing dan Giverny. Seniman-seniman muda ini sangat mirip dengan koki Amerika seabad kemudian, yang, setelah mempelajari pentingnya menggunakan bahan-bahan musiman yang segar dari para perintis Prancis dari masakan nouvelle, menyusun menu yang menyoroti panen California, namun entah bagaimana tetap terasa Prancis yang tak terhindarkan. Aroma Gallik melekat di Robinson's Port Ben, Delaware, dan Kanal Hudson (1893) —dengan langitnya yang penuh awan dan lanskap New York State yang membangkitkan dataran Prancis utara — serta pandangan Breck tentang pinggiran kota Boston, Grey Day on the Charles (1894), dengan bantalan bunga bakung dan bunga-bunga yang mengingatkan pada Giverny.
Impresionisme yang dibawa orang Amerika dari Prancis dekoratif dan menghiasi. Itu menegaskan teknik yang telah dirintis di Perancis dan menghindari kebenaran yang tidak menyenangkan dari kehidupan perkotaan Amerika. "Apa yang khas dari Impresionisme Amerika, baik atau buruk, adalah bahwa sudah terlambat, " kata H. Barbara Weinberg dari Museum Metropolitan, salah satu kurator acara itu. "Impresionisme Prancis disajikan kepada seniman-seniman ini yang dibentuk sepenuhnya sebagai sesuatu untuk dikembangkan dan diadaptasi. Mereka tidak ada di ujung penemuan." Gerakan itu muncul di Amerika, ketika berumur dua dekade, ia kehilangan momentum di Prancis. "Pada 1886, Renoir menolak bahkan upaya impresionisnya yang relatif konservatif, dan Seurat menantang Impresionisme dengan Sunday Afternoon di Pulau La Grande Jatte, " kata Weinberg. Tetapi di Amerika, tahun 1886 adalah tanda tertinggi dari Impresionisme — tahun pameran tengara yang dipentaskan di New York City oleh Paul Durand-Ruel, kepala dealer Parisian Impresionisme Prancis, memberikan kesempatan bagi orang-orang malang yang tidak pernah berkunjung ke sana. Prancis untuk melihat semua keributan itu.
Bagi banyak pengunjung, pengungkapan pameran saat ini akan menjadi pengantar bagi beberapa seniman yang reputasinya telah memudar. Salah satunya adalah Dennis Miller Bunker, yang tampaknya ditakdirkan untuk hal-hal besar sebelum kematiannya dari meningitis pada tahun 1890 pada usia 29 tahun. Bunker telah belajar di bawah Gérôme di École des Beaux-Arts, tetapi ia mengembangkan bakat Impresionisnya hanya setelah meninggalkan Prancis, mungkin melalui persahabatannya dengan Sargent (keduanya adalah favorit kolektor Boston yang kaya Isabella Stewart Gardner) dan dari keakraban dengan banyak lukisan Monet yang dilihatnya dalam koleksi publik begitu ia menetap di Boston. Krisannya pada tahun 1888 menggambarkan kelimpahan bunga pot di rumah kaca di rumah musim panas Gardners. Dengan sapuan kuas yang tegas dan massa warna yang cerah, Krisan yang enerjik adalah karya perintis.
Meskipun banyak seniman Amerika datang untuk melihat diri mereka sebagai impresionis, hanya satu yang akan memamerkan diri mereka dengan impresionis Prancis sendiri. Mary Cassatt dalam banyak hal merupakan fenomena tunggal. Dilahirkan di Pittsburgh pada tahun 1844, ia pindah dengan keluarganya yang kaya ke Eropa sebagai seorang anak dan menghabiskan sebagian besar hidupnya di Prancis. Tampilan pastel Degas yang dilihatnya pada usia 31 di jendela dealer Paris mengubah visinya. "Saya dulu pergi dan merapatkan hidung saya ke jendela itu dan menyerap semua yang saya bisa dari seninya, " tulisnya kemudian. "Itu mengubah hidupku. Aku melihat seni ketika aku ingin melihatnya." Dia membuat pertemanan dengan pelukis tua yang tidak ramah, dan setelah Salon menolak pekerjaannya pada tahun 1877, dia menyarankan agar dia tampil dengan kaum Impresionis. Pada pameran berikutnya, yang tidak diadakan sampai 1879, ia diwakili oleh 11 lukisan dan pastel. "Dia memiliki bakat tak terbatas, " Degas menyatakan. Dia melanjutkan untuk berpartisipasi dalam tiga pertunjukan mereka.
"Ketika Cassatt baik, dia dengan mudah menahan diri melawan rekan-rekan Prancis, " kata Weinberg. "Dia berbicara Impresionisme dengan aksen yang berbeda, walaupun saya tidak tahu bahwa Anda dapat mengatakan dengan aksen Amerika, karena dia tidak berada di Amerika setelah 1875." Subjek Cassatt berbeda dari tarif Impresionis yang biasa. Sebagai seorang wanita, dia tidak bisa dengan bebas mengunjungi bar dan kabaret yang diabadikan Degas dan rekan-rekannya. Keistimewaannya adalah adegan intim ibu dengan anak-anak mereka.
Namun, bahkan Cassatt, terlepas dari pencapaiannya yang luar biasa, adalah lebih banyak pengikut daripada pemimpin. Hanya ada satu pelukis Amerika asli di Paris: James Abbott McNeill Whistler. Lebih tua dari sebagian besar seniman lain dalam pameran ini dan, mengikuti masa kanak-kanak awal di New England, penduduk Eropa seumur hidup (terutama London dan Paris), ia adalah inovator radikal. Tidak sampai Pengekspresionis Abstrak di pertengahan abad ke-20 New York melakukan satu pertemuan dengan seniman Amerika lainnya dengan kepribadian dan kreativitas untuk membalikkan arah pengaruh antara benua. "Dia di depan kelompok — di antara orang Amerika dan juga di antara orang Prancis, " kata Weinberg. "Apa yang dia lakukan adalah beralih dari Realisme ke Post-Impresionisme tanpa melalui Impresionisme." Pameran ini mendokumentasikan betapa cepatnya transformasi itu — dari pemandangan laut realistis Pantai Brittany (1861), mengingatkan pada temannya, Gustave Courbet; kepada Symphony sugestif sugestif dalam Putih, No. 1: The White Girl (1862), lukisan seorang wanita muda bermata lebar (selirnya, Jo Hiffernan); dan, akhirnya, pada kemunculan, pada tahun 1865, gaya Post-Impresionis yang matang dalam lukisan-lukisan seperti The Sea and Harmony in Blue and Silver: Trouville (tidak termasuk dalam versi pertunjukan New York), di mana ia membagi kanvas menjadi pita warna yang luas dan menerapkan cat sebagai tipis, ia suka mengatakan, seperti napas di panel kaca. Sejak saat itu, Whistler akan menganggap materi pelajaran hanya sebagai sesuatu yang harus dikerjakan secara harmonis, seperti seorang komposer bermain dengan tema musik untuk menghasilkan suasana hati atau kesan. Lukisan Mark Rothko yang murni abstrak terletak tepat di atas cakrawala Whistler.
Namun, seperti yang diperlihatkan oleh pameran ini, sebagian besar pelukis Amerika akhir abad ke-19 di Paris adalah konformis, bukan visioner. Praktisi terkemuka Amerika dari Impresionisme adalah Childe Hassam, yang berbagi kecintaan Whistler akan keindahan tetapi bukan semangat garda depan. Tiba di Paris pada tahun 1886 pada usia yang relatif lanjut dari 27, Hassam sudah seorang pelukis yang terampil dan menemukan pelajaran di Académie Julian menjadi mematikan "omong kosong." Dia malah memilih untuk melukis pemandangan jalanan yang indah dalam gaya Impresionis. Sekembalinya ke Amerika pada tahun 1889, ia mengabdi pada gagasan bahwa seorang seniman harus mendokumentasikan kehidupan modern, betapapun berpasir, tetapi Kota New York yang ia pilih untuk diperankan itu menarik secara seragam, dan daerah pedesaan, lebih dari itu. Ketika mengunjungi temannya, penyair Celia Thaxter, di Isles of Shoals di New Hampshire, ia melukis serangkaian gambar bunga terkenal di kebun pemotongnya. Bahkan di tempat yang sangat indah ini, ia harus menyunting bagian-bagian kecil dari pariwisata komersial yang melanggar batas.
Hassam dengan tegas membantah bahwa ia telah secara langsung dipengaruhi oleh Monet dan para Impresionis lainnya, yang justru mengimplikasikan Sekolah Pelukis Prancis Barbizon sebelumnya dan seniman lanskap Belanda Johan Barthold Jongkind. Tapi penolakannya terhadap Monet tidak jujur. "Lukisan-lukisan bendera" yang dirayakan oleh Hassam - adegan-adegan di Fifth Avenue yang diselimuti bunting patriotik, yang ia mulai pada 1916 setelah parade Kota New York untuk mendukung tujuan Sekutu dalam Perang Dunia I - menarik garis keturunan mereka dari Monet, The Rue Montorgeuil, Paris, Festival 30 Juni 1878, yang dipamerkan di Paris pada tahun 1889, sementara Hassam adalah seorang mahasiswa di sana. Sayangnya, ada sesuatu yang hilang dalam terjemahan. Kegembiraan berdesir dan energi terbatas adegan Monet menjadi statis dalam perawatan Hassam: masih indah, tetapi dibalsem.
Memang pada saat lukisan bendera Hassam, kehidupan telah hilang baik dari Akademi Prancis dan Impresionisme Prancis. Memikat seperti biasa, Paris tetap menjadi ibukota seni Barat, tetapi seni telah berubah. Sekarang Paris adalah kota Picasso dan Matisse. Bagi generasi baru pelukis modern Amerika yang berbondong-bondong ke Paris, "akademisi" adalah tindakan merendahkan. Mereka mungkin akan menemukan potret kecantikan masyarakat dalam gaun berpotongan rendah yang sedikit konvensional dan sama sekali tidak mengejutkan.
Arthur Lubow tinggal di Manhattan dan merupakan penulis kontributor pada mata pelajaran budaya ke New York Times Magazine .
