“Robert Indiana lahir di negara bagian dengan nama yang sama pada tahun 1928, ” memulai deskripsi biografi singkat yang ditulis oleh seniman untuk katalog pameran tunggal pertamanya di Galeri Stable pada tahun 1962: “Dia belajar di Chicago dan Edinburgh dan kembali dari persekutuan keliling untuk melukis langsung di tepi perairan New York. Di sini, dalam pertunjukan one-man pertamanya, dia merekapitulasi peristiwa-peristiwa penting dalam satu kehidupan Amerika. "
Sementara sang seniman akan menjadi terkait erat dengan desain L O VE dan gerakan seni Pop, tubuh kerja Indiana yang lebih luas - dipenuhi dengan angka, kata-kata dan simbol-simbol - memasukkan referensi otobiografi, sastra dan sejarah untuk membuat elegi yang bermata keras pada impian Amerika. .
Terlahir sebagai Robert Clark di New Castle, Indiana pada tahun 1928, pelukis, pematung, dan penyair yang akan mengadopsi nama Indiana — apa yang ia sebut “nom de brush” —disingkahi pada 19 Mei 2018 pada usia 89. Ia akan menjadi, sebagai penulis dan cendekiawan Barbaralee Diamonstein-Spielvogel, pertama kali dicatat, "pria yang menemukan Cinta ."
L O VE dalam semua iterasinya — diterjemahkan oleh seniman ke dalam bahasa Spanyol dan Ibrani untuk patung; dicat menjadi kata empat huruf yang tidak patut setelah berselisih dengan Ellsworth Kelly; atau digunakan kembali pada 2008 sebagai HO PE dalam cetakan yang dibuat sebagai penggalangan dana untuk kampanye presiden pertama Barack Obama — sering kali merupakan singkatan dari hasil seni Indiana. Virginia Mecklenburg, kepala kurator Smithsonian American Art Museum mencatat bahwa sementara Indiana dikaitkan dengan seniman Pop seperti James Rosenquist, Roy Lichtenstein dan Andy Warhol, dia berbeda. “Mereka memfokuskan persepsi kami pada produk-produk masyarakat konsumen kami. L O VE bukan tentang budaya konsumen tetapi emosi yang melaluinya kita menjalani hidup kita. ”
Orang India itu tidak pernah memiliki hak cipta atas desain L O VE yang ditiru secara luas adalah sesuatu yang menjadi momok bagi sang seniman, yang mengumpulkan banyak koleksi tiruan. Tetapi wahyu yang lebih pribadi dalam karya ini tidak semudah menjiplak garis grafiknya: Dalam berbagai wawancara, Indiana menunjuk L O VE sebagai mengambil inspirasi dari asal-usul spiritual daripada erotis, tetapi, seperti banyak dari karyanya, L O VE-nya lukisan 1966 penuh dengan warna dan autobiografi.
Robert Indiana dan seorang siswa di Sekolah Seni Lukis dan Patung Skowhegan, 1969 (Sekolah Seni Lukis dan Patung Skowhegan, 1946-2013. Archives of American Ar) 
Foto Robert Indiana dengan Decade Autoportrait 1969 (72 in.), Bukan sebelum 1972. (Mary Swift) 
Potret Robert Indiana di studionya, c. 1980-an (Mary Swift, fotografer. Mary Swift papers, sekitar 1970-2005. Archives of American Art) 
Alan Groh dan Robert Indiana (kanan) memasang pertunjukan di Stable Gallery, 1964 (Nancy Astor, fotografer. Stable Gallery mencatat, 1916-1999, bulk, 1953-1970. Archives of American Art) Desain LO VE Robert Indiana diwakili dalam koleksi di Smithsonian Institution bersama dengan karya-karya seninya yang lain. Ini mencontohkan dan menawarkan wawasan tentang lingkup penuh karier artis.
Sejarah lisan di Smithsonian's Archives of American Art mencakup banyak wawancara dengan seniman yang membahas persahabatan mereka dengan Indiana dan karyanya, tetapi di antara yang paling berwawasan adalah wawancara 1963 dengan seniman itu sendiri yang dilakukan oleh Richard Brown Baker, seorang kolektor seni kontemporer.
Di dalamnya, Indiana berbicara panjang lebar tentang masa kecilnya yang tidak tenang dan pendidikan awal — diperburuk oleh kecenderungan ibunya terhadap nafsu berkelana yang melihat keluarga pindah ke 21 rumah pada saat ia berusia 17 tahun — minatnya pada puisi dan sastra dan waktunya tinggal di Coenties Slip di Manhattan yang lebih rendah di antara komunitas seniman yang meliputi Ellsworth Kelly, Agnes Martin, Lenore Tawney, dan Jack Youngerman.
Sebuah Kartu Natal ditemukan di surat kabar Dorothy Miller, yang adalah seorang kurator di Museum of Modern Art, memberikan preview L O VE dalam tahap konsep awalnya. Seperti yang dijelaskan oleh kurator manuskrip Archives, Mary Savig dalam bukunya Handmade Holiday Cards dari Seniman Abad 20:
Salah satu iterasi pertama dari subjek Robert Indiana yang paling dipuja di depan umum, motif LOVE, adalah kartu yang dijual oleh MoMA pada tahun 1965. Untuk kartu liburannya tahun 1964, Indiana telah membuat gosokan pensil kata CINTA, lengkap dengan tanda tangannya miring O; salah satu penerima kartunya adalah kurator MoMA Dorothy Miller. Tahun berikutnya MoMA menugaskan Indiana untuk mengambil desain yang lebih berwarna dari garis aslinya untuk kartu liburan.
Kartu ucapan Robert Indiana dikirim ke Dorothy C. Miller, 1964 (. Makalah Dorothy C. Miller, 1853-2013, massal 1920-1996. Archives of American Art) Pada tahun 1964, pada tahun yang sama Robert Indiana mengirimkan kartu liburan L O VE-nya, ia berkolaborasi dalam sebuah film, Eat, dengan Andy Warhol, di mana, melalui sihir editing film, Indiana memakan jamur yang terus menerus diisi ulang selama 35 menit. Untuk Pameran Dunia New York, ia adalah satu dari sepuluh seniman yang ditugaskan oleh Phillip Johnson untuk menciptakan sebuah karya seni untuk fasad melengkung New York State Pavillion. Ciptaan Indiana, tanda lima lingkaran hitam setinggi 20 kaki yang disusun seperti wajah dadu bersisi lima dengan huruf-huruf yang menyala untuk mengeja EAT, diapit di antara karya-karya Ellsworth Kelly dan Robert Rauchenberg. Kata-kata EAT, DIE, HUG, dan ERR akan menjadi sombong bahwa Indiana kembali ke waktu dan lagi — Mecklenburg menyebut mereka "perintah ikonik" —dengan MAKAN, kata terakhir yang dikatakan ibunya kepadanya sebelum dia meninggal, menjadi salah satu otobiografi yang paling mendalam. .
Dengan kata-kata yang lucu, kurator seni Philadelphia Joan Kron dan Audrey Sabol memodifikasi desain Indiana's World's Fair menjadi sebuah bros yang diproduksi oleh Tiffany untuk Genuine Electric Company — salah satu dari beberapa perusahaan bisnis yang dimiliki bersama oleh para wanita. Setelah menulis tentang proyek mereka di New York Times, mereka menerima banyak pertanyaan tentang pin, beberapa di antaranya ditemukan di surat kabar Kron di Archives. Di antara mereka ada catatan dari Ibu Daniel D. Krakauer dari Great Neck, Long Island, yang menanyakan di mana ia bisa mendapatkan salah satu bros EAT untuk dikenakan pada pesta ulang tahun ke 50 yang mengejutkan suaminya: “Saya tidak bisa memikirkan cara yang lebih baik untuk mengumumkan bahwa 'Perjamuan Dilayani' daripada dengan 'menyalakan. . . '”Surat itu mengambil ironi licik; Para pejabat di Pameran Dunia harus memerintahkan tanda Indiana untuk dimatikan setelah hanya satu hari, karena orang banyak berbondong-bondong ke paviliun mengira itu sebagai tempat makan. Seperti yang ditulis oleh Indiana, "Terlalu banyak orang bereaksi, pada hari pertama, pada perintah."
Pada tahun 1974, setelah Smithsonian menerima koleksi seni pemodal dan filantropis Joseph Hirshhorn, dan membuka Hirshhorn Museum dan Sculpture Garden sebagai museum nasional seni kontemporer, Asosiasi Smithsonian menugaskan empat poster untuk hari pembukaan, termasuk satu oleh Robert Indiana dengan sebuah bintang biru yang memukau dan desain grafis yang berani.
Pada saat pembukaan museum, hanya ada dua lukisan Indiana awal— Eateria, 1962 dan Beware-Danger American Dream # 4, 1963 — dalam koleksi Hirshhorn. Keduanya, kata Evelyn Hankins, kurator senior Hirshhorn, "adalah contoh ikon dari cara Robert Indiana menggunakan bahasa Amerika, seperti rambu-rambu jalan, untuk menciptakan karya seni yang mencolok pada inti seni Pop."
Poster pembukaan Indiana, kata Hirshhorn's Evelyn Hankins, “sangat representatif mengapa Robert Indiana sangat penting bagi dunia Pop art — penggunaan grafis kerasnya, yang terkadang merayakan dan terkadang mengajukan pertanyaan sulit tentang sisi yang lebih gelap mimpi Amerika. "(Hirshhorn) Poster pembukaan Indiana, kata Hankins "dengan bintang grafisnya yang berani dan palet warna yang terbatas, " tidak hanya cocok dengan koleksi dan karya artis, tetapi "sangat representatif mengapa Robert Indiana sangat penting bagi dunia seni Pop— dia menggunakan grafis yang keras, yang terkadang merayakan dan kadang-kadang mengajukan pertanyaan sulit tentang sisi gelap mimpi Amerika. ”Dalam hal ini, terutama, perayaan.
Kritikus seni, Lucy Lippard, menyatakan Indiana sebagai "romantis yang keluar-masuk, " mencatat bahwa "kontribusi seniman adalah perkawinan puisi dan kejelasan geometris melalui penyertaan sastra dan sejarah Amerika dalam seni non-objektif."
Kecenderungan romantisnya terlihat jelas pada patung-patung berbentuk kolomnya yang terbuat dari kayu dan benda-benda yang ditemukan, termasuk yang ada di koleksi Smithsonian American Art Museum. Menurut museum Virginia Mecklenburg, yang mengkuratori pameran tunggal seniman tahun 1984 “Wood Works: Constructions by Robert Indiana, ” karya-karya ini menunjukkan kecerdasan dan proses kerjanya. “Dia ingin membuat konsep totemik. Dia melihat patung-patungnya sebagai totem, seperti prasasti yang berfungsi sebagai pencari jalan di sepanjang jalan-jalan Romawi pada zaman kuno. Patung-patung Indiana mewakili kehadiran, kekuatan, individualitas, serta kata-kata, tanda, simbol, cara untuk menandai emosi, tempat. Ada intensionalitas — hal-hal ini ada di pikirannya. "
Robert Indiana Five . (Museum Seni Amerika Smithsonian, hadiah dari artis) Pada saat pameran 1984, Indiana menghadiahi lukisannya The Figure Five dan museum membeli patungnya Five . Keduanya riff pada lukisan Charles Demuth I Saw the Figur 5 in Gold - dibuat sebagai tanggapan terhadap puisi William Carlos Williams "The Great Figure, " yang ditulis setelah pertemuan dengan truk pemadam kebakaran yang berdesing di malam Manhattan yang hujan — dan merupakan batu penjuru. dari kepemilikan museum Indiana.
Di antara hujan dan lampu aku melihat sosok 5 dalam emas di firetruck merah bergerak. . . .
"Bob menyukai gagasan tentang patung dan lukisan bersama, " Mecklenburg menceritakan. "Demuth dipengaruhi oleh puisi pengalaman Williams — kecepatan, cahaya, suara truk pemadam kebakaran yang berdering - Bob menemukan cara lain untuk mengekspresikan ini pada saat itu."
Ditanya tentang bagaimana rasanya bekerja dengan Indiana di pameran, Mecklenburg mengatakan Indiana malu tetapi masih mengizinkannya mengakses jurnal pribadinya, yang halaman-halamannya direproduksi dalam katalog pertunjukan. “Dia sangat menakjubkan. . . dia adalah teman, ”katanya. “Dia memiliki perasaan mendalam tentang sejarah Amerika, menyebut dirinya sebagai negara tempat dia dibesarkan — dia bukan Robert Massachusetts! Itu adalah pernyataan Amerika Tengah, dan itu mengatakan sesuatu tentang apa yang dia hargai. "
Ketika dia memberi tahu Diamonstein, “ketika saya masih kecil, ibu saya biasanya mendorong ayah saya untuk bekerja di Indianapolis, dan saya akan melihat, hampir setiap hari di masa muda saya, sebuah tanda Phillips 66 yang besar. Jadi itu adalah merah dan hijau dari tanda itu melawan langit Hoosier biru. Biru dalam Cinta itu berwarna biru langit. Karena itu Cintaku adalah penghormatan bagi ayahku. ”
Pada akhir wawancara sejarah lisan Robert Indiana, Richard Brown Baker menyarankan bahwa artis itu tidak "sepenuhnya mengungkapkan, " tetapi Mecklenburg berpendapat bahwa Indiana memberikan banyak akses ke penonton yang bersedia melakukan pembacaan mendalam atas karyanya. Indiana, katanya, "adalah seorang pria yang membuat tanda di dunia melalui karya seninya."
Faktanya, Indiana, yang melihat dirinya sebagai pelukis tanda, pernah menyatakan, "Saya melukis adegan Amerika."
Seperti yang ia jelaskan dalam pernyataan para seniman untuk Galeri Stable: “Seni saya adalah penyelaman yang disiplin tinggi — melambung tinggi, simultan & polikrom, sebuah peninggian verbal-visual. . . dialog saya. "
