Dengarkan dengan hati-hati untuk gemuruh yang jauh: 100 tahun yang lalu, pada tanggal 29 Mei 1913, goncangan yang baru meledak di sebuah teater Paris ketika Diaghilev's Ballets Russes melakukan Ritus Musim Semi karya Stravinsky . Para penonton yang berhiaskan berlian dan berhiaskan permata di Theatre des Champs-Elysees meletus pada tarian rakyat dan musik yang sumbang yang menghadang mereka. Alih-alih keanggunan dan tradisi balet seperti Swan Lake Tchaikovsky , koreografi Spring yang terputus - putus dan latar pagan Rusia meluncurkan paduan suara boo yang berubah menjadi perkelahian: Apa yang menginjak kaki itu? Di mana tutus tradisi? Yang mengejutkan para penonton dan ketakutan, “Modernisme” baru saja tiba dengan tabrakan simbal raksasa.
Serge Diaghilev dan Igor Stravinsky bermaksud menggunakan pertunjukan ini sebagai proklamasi Modernisme — sebuah tontonan yang bertujuan menerobos batas-batas tradisional dalam seni, musik dan tarian untuk menghadirkan sesuatu yang sama sekali baru dan inovatif. Gagasan dance-as-spectacle adalah sesuatu yang menggelitik saya, karena saya telah menyelenggarakan pameran Portrait Gallery tentang tarian di Amerika, yang dibuka pada 4 Oktober. Tanpa menimbulkan kerusuhan, tontonan telah memainkan peran yang menentukan dalam tarian dari Ziegfeld's Follies hingga Beyonce's pertunjukan panggung; audiens selalu terpaku oleh bulu, payet, dan gerakan yang indah. Seperti yang ditulis oleh komponis-penulis lirik Kander dan Ebb dalam lagu tema "Razzle Dazzle" Chicago , "Beri mereka aksi dengan banyak flash di dalamnya / Dan reaksinya akan bersemangat."
Igor Stravinsky oleh Alvin Langdon Coburn. Cetak perak Gelatin, 1921 (Foto milik National Portrait Gallery) Saya suka terpesona. Dan sebagai penjelajah budaya yang lazim, saya selalu mencari mangsa untuk faktor "wow" - hal ajaib yang membuat mata Anda melotot. Dalam seni pertunjukan, itu bisa menjadi momen penghentian pertunjukan di panggung atau layar, loncatan penari yang luar biasa ke ozon, atau suara mendebarkan yang membuat Anda terengah-engah. Ini adalah saat-saat kristal yang menandai jiwa Anda selamanya.
Akhir-akhir ini, saya kagum dengan beberapa pertunjukan yang luar biasa — sebuah konser oleh Philadelphia Orchestra di bawah konduktor baru yang menggetarkan, Yannick Nézet-Séguin, dan pertunjukan Kennedy Center Gala dari My Fair Lady di mana Jonathan Pryce dan Laura Michelle Kelly menjadikan Anda pikir mereka menciptakan peran Profesor Higgins dan Eliza untuk pertama kalinya.
Tetapi saya juga terpesona oleh sebuah pameran besar yang baru saja dibuka di Galeri Seni Nasional: "Diaghilev and the Ballets Russes, 1909-1929: When Art Danced with Music." Baz Luhrmann mungkin telah menggunakan banyak glamor dan kemewahan dalam versi 3-D-nya yang baru dari The Great Gatsby, tetapi Galeri telah menciptakan dunia berkilauan Diaghilev dalam tampilan yang mewah dari benda asli — seni, musik, tarian, dan kostum yang menyatakan “pencarian yang baru” seabad yang lalu . Sebagai kurator pameran Sarah Kennel menjelaskan, Diaghilev “tidak pernah ingin berpuas diri. Dia selalu berinovasi dan mendesain ulang. "
Michel Fokine oleh Clara Sipprell. Cetak perak Gelatin, 1923, warisan Phyllis Fenner (Galeri Potret Nasional) Sebuah kolaborasi antara Galeri Seni Nasional dan Museum Victoria dan Albert, pameran ini pertama kali dibuka di London pada tahun 2010. Pameran Galeri adalah hibrida dari pertunjukan itu, menggabungkan 80 karya dari koleksi V&A dan menambahkan sekitar 50 objek baru. "Diaghilev" menampilkan kemitraan artistik yang menakjubkan yang ditempa oleh impresario Rusia, dan menyoroti para komposer seperti Stravinsky, Prokofiev dan Satie, dan seniman seperti Bakst, Picasso dan Matisse. Dua koreografer Diaghilev utama — Michel Fokine, yang bekerja dengannya di tahun-tahun awal, dan George Balanchine, yang bekerja dengan Ballets Russes di akhir kehidupan Diaghilev — akan berimigrasi ke AS; Fokine mendirikan sekolah balet di New York, dan Balanchine akan memiliki dampak ikonik pada tarian Amerika, baik di Broadway maupun di balet.
Kostum Pablo Picasso untuk Conjuror Tiongkok dari Parade, c. 1917 (© Museum Victoria dan Albert, London) Diorganisasikan secara kronologis, lima bagian pameran utama menceritakan kisah karier Diaghilev: "Musim Pertama, " "Vaslav Nijinsky — Penari dan Koreografer, " "The Avant-Garde Rusia, " "The Avant-Garde Internasional, " "The Avant-Garde Internasional, " dan "Modernisme, Neoklasikisme, dan Surealisme. ”Ada juga komponen audio-visual yang menarik yang mencakup cuplikan langka Balet Russes dan Nijinsky, Rudolf Nureyev yang tampil di Afternoon of a Faun, dan Mikhail Baryshnikov menari The Prodigal Son.
Tiga puluh tahun yang lalu, pameran yang luar biasa ini akan disebut "blockbuster." Dalam bahasa museum kontemporer, kata itu tidak disukai: blockbuster jatuh ke dalam crosshairs dari kritis harrumphing di beberapa titik, dan dunia museum saat ini sering lebih memilih ketergantungan reduksionis pada dinding abu-abu dan karpet abu-abu daripada pendekatan yang lebih flamboyan. Sebagai seseorang yang mulai di era blockbuster, saya menemukan kurangnya kekaguman hari ini komentar yang mengganggu tentang seberapa jauh museum telah menjauhkan diri dari keinginan publik untuk mencari inspirasi.
Henri Matisse Costume for a Mourner dari The Song of the Nightingale, 1920 wol merasa dan beludru secara keseluruhan (V&A, London) Tetapi pameran Diaghilev membuat saya tersenyum ketika saya berjalan ke pelukannya: mulai dari kostum Boris Godunov yang dikenakan Chaliapin pada tahun 1908 hingga tirai panggung raksasa dari The Blue Train (1924) , pertunjukan Diaghilev adalah pengingat pameran apa yang bisa ditampilkan.
Mark Leithauser adalah kepala desain dan kurator senior di Galeri Seni Nasional, dan di sini, ia telah menciptakan dunia wow yang luar biasa. Bertanggung jawab untuk merancang banyak pertunjukan tengara museum itu, dia berbicara kepada saya tentang bagaimana gagasan "blockbuster" sebenarnya bukan tentang ukuran: ini tentang sebuah fenomena. Blockbuster pertama, "King Tut, " hanya memiliki 52 objek. Ketika dibuka di Galeri pada tahun 1976, orang-orang mengantri selama berjam-jam. Sutradara J. Carter Brown mengatakan pertunjukan itu populer karena "kualitas visual semata" dan "usia yang mempesona" dari objek-objek itu, bersama dengan perasaan yang menggembirakan berada dalam perburuan harta karun. Di sisi lain, "Rumah Harta Karun Inggris" pada tahun 1985 memiliki lebih dari seribu objek dan membantu menghubungkan "kebesaran" dengan ide populer blockbuster.
Leithauser sangat percaya bahwa sebuah pameran harus berakar pada mendongeng. Dalam "Rumah Harta Karun, " ceritanya sekitar 500 tahun dikumpulkan di Inggris, tetapi juga sekitar 500 tahun transformasi arsitektur di rumah pedesaan Inggris — transformasi yang ditimbulkan dalam adegan arsitektur dan lingkungan yang diciptakan dalam pameran.
Serge Diaghilev (© Museum Victoria dan Albert, London) Untuk pertunjukan Diaghilev, Leithauser mengatakan desainnya harus sama teatrikal dengan ceritanya — instalasi harus menciptakan pengalaman teater yang meliputi dunia Diaghilev. Yang benar, menurut Leithauser, adalah bahwa pameran “perlu seperti apa adanya.”
Kemampuan desainer untuk mengatur panggung begitu cemerlang memungkinkan pengunjung untuk memahami kolaborasi artistik Diaghilev baik secara intelektual maupun visual. Leithauser adalah seorang pemain sandiwara yang menghargai tontonan: acungan jempol untuk mempesona!
